junge bühne

Man muss dankbar sein

Von Volker Schmidt. Am 02.10.2009 im MRS in Wien

Inszeniert von Jérôme Junod im Rahmen des ZORN!-Theaterfestivals

Meine sehr geehrten Damen und Herren: es darf getanzt werden.

Österreich ist mittlerweile eine Billiglohnrepublik, in heimische Fabriken werden Vertreter von Hilfsorganisationen geladen um so die Unterstützung zu bekommen, die Österreich wieder zum Zuge kommen ließe. Andere Länder, die einst als Billigproduktionsländer galten, sind obenauf in der weltweiten Wirtschaft. Auch Österreich will wieder ganz nach oben und dafür sorgen Liesl, Hanni und Kathi, Näherinnen in einer Wiener Textilfabrik. Sie reden sich dabei um Kopf und Kragen, versuchen ein gutes Bild ihrer Arbeitsbedingungen zu schaffen, denn: man muss dankbar sein. Doch nach und nach bekommt die überschwängliche Freude über den Besuch der Vertreter tiefe Risse und in einem wilden Strudel aus verdrängten Erinnerungen, wieder erwachenden Träumen, indischer Musik und überbordenden Tanzeinlagen zeigt sich das wahre Bild hinter der Fassade der Dankbarkeit. Den drei Frauen stehen dabei ein schmieriger Vertreter, ein hinkender Hausmeister und der gewalttätige Firmenchef zur Seite.

es gibt keinen grund für schlechte laune
die schlechte laune machen, haben keine disziplin
lassen sich gehen
ich lasse mich nicht gehen
bin bereit, bin stets bereit denn
man muss dankbar sein

(Liesl aus “Man muss dankbar sein”)

Liesl ist immer die Erste. Sie mag die Ruhe, die schlafenden Maschinen und den tanzenden Staub. Sie ist halt ein wenig naiv, die Liesl, aber: sie ist dankbar. Vor ihrer Anstellung in der Fabrik hat sie als Prostituierte gearbeitet, diese Zeit ist jetzt aber vorbei. Heute kann sie wieder träumen. Träumen von einem eigenen Zimmer, einem Flachbildfernseher und einer Karte für den Opernball.

Kathi, die Zweite im Bunde ist ganz „Zack-Zack“. Mit ihrer schnellen Arbeit und ihrer Firmentreue hofft sie auf eine Anstellung in einer Industrienation, denn „jeder will das, der was will“. Natürlich wird sie dann Postkarten schreiben, an Liesl zum Beispiel, die einfach nicht weg will. Nur keine Aufregung, keine Lohnverhandlungen, alles schön mitmachen, das ist Kathis Motto, denn: man muss dankbar sein.

Dann ist da noch Hanni. Dass Hanni erst während der Präsentation vor den NGOs erwacht und vollkommen apathisch und mit verschmierter Schminke auftritt missfällt sowohl ihrem Chef, als auch ihren beiden Kolleginnen, dass ihr etwas angetan wurde interessiert zuerst nicht (es wird auch im weiteren nicht wirklich darauf eingegangen, was denn nun mit ihr geschehen ist. War es vielleicht das System das sie so zugerichtet hat?), denn immerhin geht es hier um etwas und ein Lächeln für die Vertreter muss schon sein. Hanni ist eine Rebellin, sie kämpft gegen die ungerechten Arbeitsbedingungen in der Fabrik. Ein Streik muss her, das ist Hanni klar und als sie dann auch noch Liesl davon überzeugt die Arbeit niederzulegen, ist der Streit mit der linientreuen Kathi vorprogrammiert.

Der vor dem Chef kriechende Hausmeister, der aalglatte NGO-Vertreter und der proletenhafte, seine Näherinnen prügelnde Chef sind wortlose Gestalten, mal im Vordergrund präsent, mal im Hintergrund aktiv, denen der unvermittelt ausbrechende indische Gesang in den Mund gelegt wird. Man hat in dieser Fabrik ja etwas vorbereitet für die NGOs, denn das Betriebsklima hier ist ausgezeichnet.

Ausgezeichnet miserabel, wie der Zuschauer spätestens bei Verlassen des Saales weiß.

Jérôme Junod und sein Ensemble heben das Stück von Volker Schmidt aus den Angeln. Auf wilde Textbombardements folgen exakt choreographierte Musicalsequenzen (die Darsteller singen nicht selbst, das indische Wort versagt es ihnen), die Zuseherin/ der Zuseher ist nicht länger mehr nur Schauender, er ist Teil der Inszenierung. Das Publikum übernimmt den Part der NGO-Vertreter und wird direkt angesprochen: schon vor Beginn der Vorstellung geht der Hausmeister (Patrick Seletzky) mit einem Putzwagen durch das Foyer des Max-Reinhardt-Seminars, stellt ein Begrüßungsschild vor die Eingangstür des Theatersaals und rollt gar noch einen rot-weiß-roten Teppich für das Publikum aka. die Vertreter aus.

Im Inneren des runden Raumes (die Zuschauer nehmen links und rechts neben der Tür Platz) wartet bereits Liesl (Olga Wäscher) auf die eintreffenden Damen und Herren, aber „es geht noch nicht los.“ Liesl steht vor drei Nähmaschinen, der zu nähende Stoff ergibt den österreichischen „Flaggenteppich“. Im hinteren Teil des Raumes steht ein Schreibtisch, überall lehnen und liegen leere Stoffrollen. Links neben der Tür im Publikum sitzt ein im weißen Anzug recht auffällig gekleideter Herr, einer der Darsteller, wie sich später herausstellen wird. Noch während Liesl spricht und immer wieder deutlich macht, wie glücklich sie über die Anwesenheit der Vertreter, als auch über ihre Lebensumstände ist, kommt Kathi (Nadine Kiesewalter) hinzu, vollgepackt mit Einkaufstüten. Und dann geht es erst richtig los.

Das gut gelaunte, spielwütige Ensemble (zu nennen sind noch Karoline Bär, Ulrich Brandhoff und Robert Finster) zeigen in jeder Szene was sie können, sprachlich, darstellerisch, als auch tänzerisch. Dies anzusehen macht Spaß, bringt zum Lachen. Wie die Inszenierung von bitterem Ernst in Komik kippt, gar zur grotesken Musicalshow wird ist faszinierend, leider aber nicht immer fesselnd. Zu lang sind die Tanzszenen, zu verwirrend die an verschiedenen Stellen gleichzeitig stattfindenden Aktionen der Darsteller. Während man als Zuschauer dem Seelenstriptease Liesls lauscht, zieht im Augenwinkel der erhobene rechte Arm des Fabrikchefs vorbei. Es passiert eine Menge in diesem Theaterraum, nicht immer aber hat das Publikum die Zeit und die Möglichkeit dazu alles mitzubekommen.

Womöglich hätte man sich hier mehr auf den Text verlassen sollen, der ohnehin voller Zündstoff ist. Anhand kurzer Sätze wird Schicht für Schicht die saubere Oberfläche der ach so angenehmen Fabrikwelt frei gekratzt, darunter kommen Wünsche und Hoffnungen ans Tageslicht, wird die gesellschaftliche Inbesitznahme des Individuums deutlich. Die Vergangenheit Liesls wird missbraucht um Mitleid bei den Vertretern zu erregen, diese groteske, unmenschliche Weise das Leid der Näherin zu „Profit“ zu machen wird dank der tollen Darsteller umso schockierender. Die Prostitution hat Liesl noch nicht losgelassen, nur die Freier haben jetzt ein anderes Gesicht. An ebensolche starken, ergreifenden Szenen reihen sich überdrehte, nicht immer passend scheinende Einfälle, die für den Zuschauer nicht immer schlüssig sind.

Am Ende tanzen sie alle wieder. In schimmernden Outfits und zu lauter Musik ergeben sie sich der perfekt einstudierten Choreographie. Die Revolte innerhalb der Fabrikmauern ist aussichtslos, auch Hanni gesteht sich dies ein. Liesl wird nicht auf dem Opernball tanzen, es heißt arbeiten, denn noch ehe man das Wort Streik hervorbringt, ist man auch schon ersetzt. Es gibt zu viele andere, die dankbar wären. Die Monotonie des Tanzes am Ende gibt auch die Monotonie der Gegebenheiten wieder: solange die Nähmaschinen in ihrem Takt schlagen, solange funktioniert dieses Spiel. Der Einzelne hat keine Träume zu träumen, er hat im Takt der Maschinen seine Arbeit zu erledigen, denn nur so läuft die Welt rund.

Wenn man am Ende den Saal verlässt hat man viel gesehen, viel gehört, viel gespürt. Ganz rund mag die Sache vielleicht nicht für jeden gewesen sein, das Premierenpublikum zeigte sich jedoch begeistert. Der Ball rollt, irgendwo mag er vielleicht eine Delle haben, das Spiel mit ihm jedoch und dass soll gesagt sein, macht trotzdem großen Spaß und regt zum Nachdenken an.

Cornelius Edlefsen

                   Fotocredit: Gerhard Wartha

MAN MUSS DANKBAR SEIN. Von Volker Schmidt

Ficki ficki oder zack zack — Wer überleben will, muss sich entscheiden

Liesl, Kathi und Hanni sind Näherinnen in einer Wiener Textilfabrik. In Volker Schmidts Stück Man muss dankbar sein könnte sie laut Regieanweisung genauso in einer anderen europäischen Großstadt stehen. Wichtig indes ist die zeitliche Ausrichtung auf die Zukunft, „wenn alles einmal um den Globus gegangen ist.”  Wähnen wir uns in Wien. Der Regisseur Jérôme Junod hat mit seiner Bühnen- und Kostümbildnerin Lydia Hofmann alles daran gesetzt, die Funduskiste Austrias vollends auszuschöpfen, von rotweißen Haarbändern bis zu BILLA-Sackerln. Es stimmt der Ort: Die imposante Arena zeugt mit allerlei Illusionsmalerei unter dem goldenen Kronleuchter noch von der monarchistischen Vorgeschichte des Reinhardt Seminars im Palais Cumberland, seit 1866 Wohnsitz König  König Georgs V. von Hannover, II. Herzog von Cumberland.  Den roten Teppich aus dem Foyer ins Zentrum der Arena bildet eine meterlange österreichische Flagge, deren Ende zu drei Nähmaschinen führt. Singer und Pfaff sind vertreten, alles wirkt original wie das überdimensionierte Manner-Schnittenpack vor der Fensterreihe im Hintergrund.

Liesl stellt sich als Erste vor: “Ich bin der Prolog.” Sie bleibt nicht lange anonym. Wir erleben sie als sehnsuchtsvolle Figur, die in ihrem Staunen über der Welten Schönheit aufgeht. Doch ihr Alltag sieht weit anders aus: “Jeder Stich ist ein Stück Leben.”, durchlebt sie die Tag- und Nachtgleiche der Industrietristesse. Die Zuschauer bittet sie, ihre Schilderungen aus der Fabrik zu vergessen, denn “das gehört nicht hierher.”

“Man muss dankbar” lautet die Losung und ihre dazukommende Kollegin Kathi kann ihr nur beipflichten. “Wir verstehen, dass sie nicht verstehen […]” und so stellt sich schnell heraus, dass man als Zuschauer, im Halbrund auf roten Bierkisten sitzend, einer Non-Governmental Organisation (NGO) zugehört. Das Billiglohnland Österreich sucht Anschluss an die Industrienationen, hat seine Fassade eigens für die Präsentation aufpoliert, seine Arbeiter auf Kurs gebracht und deren graue Kittel mit Namensschildern auf Deutsch wie Hindi versehen. Ihre Texte sitzen und einen sich im Lauf von Ober- und Unterfaden. Jetzt darf kein Fehler unterlaufen. Der NGO-Vertreter im edlen weißen Zwirn hat die Fäden in der Hand. Er muss überzeugt werden und so schmeißen sich Liesl und Kathi sprichwörtlich ins Zeug und nähen, bis die Nadeln glühen. Nur eine will sich nicht fügen. Hanni. Laut Kathi wurde sie von der Gewerkschaft unter Drogeneinfluss manipuliert und taucht entsprechend derangiert mit verlaufener Wimperntusche aus einem Stapel T-Shirts auf. Störfaktoren wie sie müssen vor den Gästen der Industriestaaten kaschiert werden. Wo Hanni wider die Firmenideologie aus der Reihe tanzt, warum nicht Tanzen? Der Fabrikschef, der bisher nur im Hintergrund am Schreibtisch saß und Liesl verprügelte, nun jedoch auf seiner nackten, vor Nationalstolz schwellenden Brust den Bundesadler trägt, wird eingespannt und auch das schlaksige Faktotum legt seine Stoffrollen ab, um sich in die Tanzformation einzureihen. Dessen Bewegungen sind nicht ganz so geschmeidig wie die seiner Mittänzer, doch soll Österreich erneut erblühen, wird jede Arbeitskraft verlangt. Der Plan scheint aufzugehen. Es folgen Tanz- und Gesangseinlagen im Bollywood-Stil statt des von Volker Schmidt vorgesehenen Volksliedes. Denn wo die Welt doch “eine Kugel ist”, berühren sich hinten und vorn “von oben nach unten”. Österreich und Indien liegen nunmehr ein Steinwurf entfernt. Die Darsteller Karoline Bär, Nadine Kiesewalter, Olga Wäscher,
Ulrich Brandhoff, Robert Finster und Patrick Seletzky haben sich in der Choreographie von Christina Schollenbruch ihren Teil von Bollywood abgeschaut und leisten Beachtliches. “Ist Ihnen nicht zu heiß? Soll ich ein wenig lüften?”, lautete Liesls erste Ansprache an das Publikum. In einer filmreifen Szene reißt nun der NGO-Vertreter das Fenster auf — von außen, indem er im Scheinwerferspot aus dem Abendblau in den Saal einsteigt. Kühle Luft strömt herein und steht in Kontrast zu den heißen Rhythmen. Es finden sich drei Liebespaare, in deren Zentrum Liesl als Braut glänzt und als zum Höhepunkt ihres Glücks sich der goldene Kronleuchter von der Decke senkt, erstrahlen alle im seligen Lächeln und wiegen sich im Wiener Walzer. Mit einer weiteren Choreographie ruft Hanni nun deutlich martialischer zum Streik auf und schwenkt als österreichisches Marianne-Abbild die National-flagge über ihrem Haupt.

Tanzeinlagen wie diese überdecken Töne der Sehnsucht in den Figuren, ein Denken, das immer wieder in Halbsätzen stockt. Liesl träumt von ihrem Besuch des Opernballs und ist überzeugt, es müsse nach ihrer Vergangenheit als meistbietend gehandelte Jungfrau, nach diesem “ja, ich komme” nun auch “ein Nein” geben. Hanni lehnt sie gegen Kathi auf, denn Liesls Pfaff näht anders als deren systemtreue Singer. Es kommt zum Umsturz der Verhältnisse. Kathi landet wie ein Püppchen mit spitzem Kussmund auf dem Boden. Ihr Nähmaschinen-koffer schlägt hart neben ihr auf. Noch einmal baut Hanni vor ihr die Singer auf, doch handelt es sich um keinen Akt des Trostes, denn: „Das ist vorbei!“. Deutlich geben Hanni und Liesl ihr zu verstehen, dass es ihr trotz dicker Brillengläser an Weitsicht fehle und die Veränderung, die Karriere jenseits der Fabriksmauern liege.

Sich ihre Arbeitskittel von den Körpern reißend, verwehren sie sich dem “zack zack” wie “ficki ficki” und wagen in glitzernden Hotpants einen letzten Tanz mit ihren durchtrainierten Vorgesetzten: Bollywood meets Techno. Lichtblitze durchzucken den Raum. Drückerfüßchen und Unterfaden sind für die drei Näherinnen damit passé. Ihre Zukunft liegt im Irgendwo. Sie brechen auf im Glauben an ihre Utopie, in der  “Raum ist für die Liebe” und “ein Tag ein Tag ist”. Ihr “Guten Tag, meine Damen und Herren” klingt nach Zuversicht auf ein Morgen, befreit aus dem Maschinentakt. Die Industriefarce zeigt indes, dass dieses Morgen bitterböse globalisierte Gegenwart bedeutet. Österreich ist Indien. Die Welt ist rund. Wer sich dem versperrt, blickt auch nur durch Kathis dicke Brille. Jérôme Junod gelingt es in beeindruckender Art, bei allem Slapstick, überschminkten Patriotismus und Bollywood-Glanz  die Nachdenklichkeit des Stückes und seiner Figuren im Lot zu halten, selbst wenn die Nähmaschinen nur so rattern, dass es eine wahre Zuschauerfreude ist.

Degna Martens

Bakchen

Von Euripides. Aus dem Griechischen von Simon Werle.

Am 29.09.2009 im MRS in Wien

Inszeniert von Steffen Jäger im Rahmen des ZORN!-Theaterfestivals

„Ich aber breche in die Schluchten des Kithairon auf; dort sind die Bakchen, dort will ich mit ihnen tanzen.“

Zugegeben: wenn am Ende des Stückes Agaue schreiend und klagend über ihrem Sohn Pentheus liegt, dann wirkt das schon fast zu dramatisch, die Darstellung fast zu überbordend für eine moderne Inszenierung der euripidschen griechischen Tragödie. Aber eben nur fast. Steffen Jägers Bakchen-Inszenierung ist kräftig, wild, (be)rauschend. Und: sie ist zornig. In neunzig Minuten zeigt er das wilde Treiben der Bakchen, die Wut des Dionysos und den schließlich tödlichen Unglauben Pentheus und schafft so einen Theaterabend voll starker und ekstatischer Momente.

Dionysos, der Gott des Weins und der Ekstase, gezeugt von Zeus und Semele, einer Sterblichen, übt Rache. Rache daran, dass seiner Mutter Schwestern behaupteten nicht Zeus habe ihn gezeugt, sondern ein Sterblicher, der Semele verführt habe. Aufgrund dieser Verfehlung ihrerseits habe sie behauptet, Zeus sei der Vater, der sie daraufhin erschlug. Zur Verteidigung seiner Mutter treibt er die Frauen der Stadt Theben, darunter Agauer, Mutter des Pentheus, der wilden Raserei verfallen hinaus in die Wildnis und willenlos nehmen sie Teil an seinen Orgien.

Pentheus, Herrscher über Theben, widersagt Dionysos und wendet sich gegen den in Menschengestalt auftretenden Gott. Trotz, oder gerade aufgrund seiner Angst Dionysos anzuerkennen und damit Unheil über Theben zu bringen, willigt Pentheus ein in Frauenkleidern die Orgien, von denen ihm ein Hirte berichtet, heimlich zu beobachten.

Um das Schauspiel besser überblicken zu können lässt sich Pentheus von Dionysos auf eine Fichte setzen, wird hierbei jedoch von den der wilden Raserei Verfallenen erblickt. Sie schaffen es den Herrscher Thebens zu Fall zu bringen, erkennen ihn jedoch nicht als diesen. Dem Tod ins Auge blickend, offenbart sich Pentheus seiner Mutter Agaue, diese jedoch ist zur sehr Gefangene ihres Rauschs, als dass sie die Identität ihres Sohnes erblickt. Sie ist die Erste, die über ihn herfällt. Gemeinsam mit den anderen Frauen reißt sie Pentheus in Stücke.

Erst als sie voller Stolz mit ihrer erlegten Beute in Theben ankommt, noch sieht sie in ihrem Sohn einen erlegten Berglöwen, löst sich unter den Worten ihres Vaters Kadmos der verhängnisvolle Nebel, der lange ihren Blick trübte. Ihr Schmerz und ihr Leid sind grenzenlos, die letzten Worte aber gehören Dionysos (letztendlich in menschlicher Gestalt):

„Dies sage ich, Dionysos, von keinem Sterblichen gezeugt, sondern von Zeus; hättet ihr da Besonnenheit gezeigt, wo ihr’s nicht wolltet, hättet ihr den Sohn des Zeus zum Mitstreiter und wärt jetzt im Glück.“

Unglaube und Unverständnis, Wut und Leid, Verblendung und Erkenntnis sind die Schlagwörter dieses von Steffen Jäger und seinem Ensemble auf die Bühne gebrachten Textes von Euripides. Der Unglaube und die Angst, die Pentheus zum Verhängnis werden, die Wut der verblendeten Agaue, die ihren eigenen Sohn hinrichtet und das darauf folgende Leid der Erkenntnis. Große Emotionen, gebündelt und intensiv auf die Bühne gebracht. Vergessen werden darf auch nicht der Zorn von Dionysos, dem Verstossenen, dem Sohn des Zeus und einer menschlichen Mutter, dessen wahre Identität verleugnet worden ist, dessen Mutters Name post mortem beschmutzt wurde, der sich Anerkennung gewünscht hätte, diese aber nicht zugesprochen bekommt und daher diesen blutigen, grausamen Schritt geht. Es ist der Zorn, der in ihm kocht und brodelt, Blasen wirft und ein Ventil sucht. Mal ist er dabei der Verführer, mal das beinahe raubtierähnliche Wesen, das über allem steht (im wahrsten Sinne des Wortes), mal einfach der Sohn der seinen Unmut hinausschreit und seine verletzte Seele offenlegt. Es ist wie sooft im Leben: die verletzte Seele als Keimzelle böser, dennoch menschlicher Gedanken, die doch nicht mehr sind als ein Ventil für den Schmerz, der bearbeitet, ja, der beseitigt werden will. Hier jedoch sind es göttliche Gedanken und die von Dionysos eingeleiteten Schritte demnach auch grausamer, brutaler. Er bekämpft die Verleugnung seiner Herkunft, die Lüge an seiner Mutter mit zerstörischer Kraft bis zum bitteren, tragischen Ende. Wojo van Brouwer als Dionysos schreit diesen Zorn mal dem Publikum entgegen, mal hält er ihn unter der Oberfläche zurück, zeigt die menschlichen Züge des Gottes, beobachtet still und bricht aus, bleibt dabei immer präsent. Dionysos als Marionettenspieler, der alles in der Hand hält und manchmal aber, so hat es den Anschein, gerne einfach loslassen würde.

Der schwarze Bühnenraum, gespielt wird auf einer Tribüne, im rechten, hinteren Bühnenraum steht eine Kammer, ähnlich eines Schaffnerhäuschens, das durch Fenster einsehbar ist, dient nicht nur als Bühne, sondern auch als große Tafel, auf der, zum besseren Erkennen der Figuren, hin und wieder die Namen der gerade sprechenden Charaktere aufgeschrieben werden (so z.B. gegen Ende des Stückes, wenn eine der Bakchen als Kadmos auftritt, dies mit dem Aufschreiben des Figurennamens und einem auf sich deutenden Pfeil verdeutlicht). Ein interessanter und auch komischer Einfall des Regisseurs, ist es doch gerade zu Beginn des Stückes ohne Textkenntnis anhand der Inszenierung nicht immer einfach zu erkennen, welche Figur sich gerade zu Wort meldet. Die Bakchen, fünf junge Schauspielerinnen (Veronika Glatzner, Anne Grabowski, Jenny-Ellen Riemann, Eva Maria Sommersberg und Elisa Ueberschaer) treten als Chor auf, direkt folgend auch als Kadmos, Vater der Agaue und als Teresias der Seher. Das chorische Sprechen wird beibehalten, nur die Namen auf dem unteren Bühnenrand schaffen Klärung, wer gerade spricht.

Pentheus, dargestellt von Daniel Frantisek Kamen, zeigt sich daneben als Getriebener, als Herrscher, als Suchender, steht in Jesus-Pose auf einem Stuhl, rennt als Anhänger der Bakchen mit denselben um sein Leben.

Was das Ensemble schauspielerisch und vor allem textlich auf die Bühne bringt ist ein Wort- und Spielrausch, der durch Jägers’ Inszenierung das Publikum in seinen Bann zieht. Nicht immer zwar ist dieser Rausch zu spüren, viele betörende Momente jedoch entschuldigen einige wenige zu lang geratene Sequenzen. Ebendiese Momente, diese Bilder sind es, die das Ausmaß der griechischen Tragödie spürbar machen und den Zusehenden in einen Taumel, ähnlich dem der Bakchen auf der Bühne, fallen lassen.

Schon während das Publikum in den schwarzen Theatersaal betritt, sitzen die fünf (jungen) Frauen verteilt auf der Bühne, bewegungslos verharren sie auf ihren Stühlen, sehen entweder in den Zuschauerraum oder haben ihr Gesicht versteckt. Langsam beginnen sie sich zu rühren, die zuerst ruhigen und sanften Bewegungen werden schneller, wirken immer unkontrollierter. Es wird durch den Raum gegangen, man reibt sich an Wänden, robbt über den Boden: die Raserei ist es, die sich wie ein dunkler Schatten über die Frauen legt. Nach mehreren Minuten dieses Treibens betritt Dionysos die Bühne und die Tragödie beginnt. Szenen wie diese sind es, die das wilde Treiben der Bakchen so spürbar, so erfahrbar werden lassen. Oder auch wenn Pentheus das Treiben der Bakchen beobachten möchte und, um nicht aufzufallen, ein Teil davon werden muss, schafft es Steffen Jäger durch einfache Mittel eine rauschartige Situation, sowohl für die Schauspieler als auch für das Publikum, zu kreieren. Von rechts nach links rennen sie durch den Raum, tauchen auf und verschwinden wieder, verharren kurz, werfen einige Blicke in die Zuschauerreihen, dabei sprechen sie chorisch, wie hypnotisiert ihren Text. Was zuerst etwas befremdlich wirken mag, entwickelt schnell einen eigentümlichen Sog, dem man sich als ZuschauerIn nur schwer entziehen kann.

Der verstoßene Sohn, die verblendete Mutter, der standhafte Sohn, der gestürzte Patriarch: Figuren in einer Tragödie die schockiert, bestürzt, einem den Atem raubt und die den ZuschauerInnen mitten ins Gesicht geschleudert wird, die zornig ist und zornig macht. Es ist die Rache eines Verletzten, seine Taten, so furchtbar sie auch sind, sind dennoch in gewisser Weise nachvollziehbar, was das schrecklicher Leid der Mutter um ihren getöteten Sohn jeoch nicht abschwächt. Das Publikum wird durch das Schauspiel gelenkt, scheint zu verstehen, fühlt mit, um am Ende der neunzig Minuten den Thaterraum mit einer Fülle von neugewonnenen Gedanken, Assoziationen, und Gefühlen zu verlassen.

Cornelius Edlefsen

                  Fotocredit: Gerhard Wartha

BAKCHEN: 29.09.2009, Max Reinhardt Seminar, Wien

Wenn man die Alte Studiobühne des Max Reinhardt Seminars betritt, um sich Euripides Bakchen in der Inszenierung von Steffen Jäger anzuschauen, muss man sich zunächst einmal in dem schwarzen Raum orientieren. Denn symmetrisch zu beiden Seiten befinden sich einander zugewandte Sitzstufen (Bühnenbild Lydia Hofmann). Die rechte Seite ist allerdings den DarstellerInnen vorbehalten. Stühle, Papierblätter, alte Bücher: die Requisiten sind marginal. Auch die Kostüme der DarstellerInnen sind simpel.

Die Geschichte des Gottes Dionysos und seiner Rache an Pentheus, dem Herrscher von Theben, ist auf eineinhalb Stunden komprimiert. Die Handlung geht ziemlich zügig voran und gewinnt schnell an Tempo. Es gibt nur wenige Zwischenspiele. Die SchauspielerInnen betreiben Hochleistungssport auf der Bühne, kommen immer nur kurz zur Ruhe, um dann die nächste sportliche Aktivität aufzunehmen. Vor allem sind die fünf jungen Schauspielerinnen (Veronika Glatzner, Anne Grabowski, Jenny-Ellen Riemann, Eva Maria Sommersberg und Elisa Ueberschär) zu bewundern, die den einstudierten Sprechrhythmus tadellos beherrschen und somit aufeinander abgestimmt im Chor sprechen. Außerdem übernimmt fast jede von ihnen mehrere Rollen. Um die jeweilige Rolle erkenntlich zu machen, wird der Name der Figur mit weißer Kreide an die schwarze Wand geschrieben. Dadurch entstehen komödiantische Momente. Der Einsatz von ultraviolettem Licht lässt Kleidungsstücke, die Masken der Bakchen sowie das weiß geschminkte Gesicht des Dionysos in der Dunkelheit leuchten. Überhaupt zieht sich der Schwarz-Weiß Kontrast durch die ganze Inszenierung.

Die Tragödie fügt sich dem Motto des diesjährigen Festivals: Zorn!. Darin geht es um den Zorn von Dionysos, dem Gott des Weines und des Rausches in Menschengestalt gegen diejenigen, die ihn nicht als solchen anerkennen wollen. In erster Linie jedoch gegen Pentheus, der bewaffnet mit seinen Männern gegen Dionysos und die Bakchen ins Feld zieht, nachdem der Gott diese in Wahnsinn und Raserei versetzt hat. Dionysos reiße die Frauen vom Webstuhl weg, aus der thebanischen Demokratie und führe sie in die Natur, wo sie sich an Bäumen reibten, Tiere mit ihrer Milch tränkten und mit Wölfen zusammen lebten, sagt Steffen Jäger bei der Diskussion „Zorn – Rausch oder Strategie“. Die Frauen bilden mit der Natur eine Einheit. Sie seien eine produktive Gemeinschaft, so der Regisseur, bis die Männer anfangen die Bakchen zu jagen. Erst dann gibt es einen Bruch und die Gemeinschaft wird destruktiv. Das Geschehen auf der Bühne scheint den Zuschauer ebenfalls in einen Rauschzustand zu versetzten. Die Dynamik des Spiels, der Lichtwechsel, die Kreuzigung von Jesus Christus, im Raum fliegende Papierblätter und zerrissene Bücher, eindringliche Musik. Während der Jagt durchqueren die DarstellerInnen immer wieder den bespielten Raum, von rechts nach links, um rechts wieder aufzutauchen während sie den Text im Chor sprechen. Ihr Gang sowie der Sprechrhythmus beschleunigen sich mit jedem Durchgang. Überhaupt die ganze Inszenierung gewinnt immer mehr an Tempo, bis schließlich Agaue im Trance-Zustand ihren Sohn Pentheus für einen Löwen hält und ihn mit ihren eigenen Händen in Stücke zerreißt. Sie isst von seinem rohen, blutigen Fleisch und bringt seinen Kopf mit nach Hause, einen reifen Granatapfel. Die letzte Szene, in der Agaue klagend über ihren Sohn gebeugt ihren fatalen Fehler erkennt während im Hintergrund eine Opernarie an Lautstärke gewinnt, bewegt sich auf einem schmalen Grad zwischen Tragik und Kitsch. Fügt sich jedoch in den Gesamteindruck und stellt einen gelungenen Abschluss dar. Die Tragödie endet mit den Worten „Und ganz zu Recht erlitt er dieses Los. Dies sage ich, Dionysos, von keinem Sterblichen gezeugt, sondern von Zeus; hättet ihr da Besonnenheit gezeigt, wo ihr´s nicht wolltet, hättet ihr den Sohn des Zeus zum Mitstreiter gewonnen und wärt jetzt im Glück.“

Eine gelungene Inszenierung des Rausches und der Raserei.

Olga Buchhorn

Euripides: BAKCHEN

α Ω

Zwei griechische Buchstaben mit Kreide eilends auf die schwarze Bühnenwand geschrieben — In der Inszenierung von Euripides’ Die Bakchen stehen sie ein für die Zeichenhaftigkeit, mittels derer Steffen Jäger der attischen Tragödie aus dem fünften vorchristlichen Jahrhundert begegnet. Als A und O gelesen, deuten sie zugleich auf eben dieses hin und das heißt: Chor. Er bildet das Energiezentrum. Mitnichten handelt es sich um eine vorsichtige, suchende Annäherung an das Fremde, Entlegene antiken Theaters. Dionysos höchstselbst — dem Gott des Rausches, des Theaters ­— huldigt man.

Auf den Stufen der Blackbox sitzen die Zuschauer wie in einem Modellversuch des Amphitheaters. In der fehlenden Distanz zur gleichfalls in Stufen ansteigenden Bühne sind sie jedoch deren Geschehen vollends ausgesetzt: Ein Raum der Konzentration, die Steffen Jäger in der Reduktion der Mittel für große Bilder nutzt.

Aufgeladen ist die Luft schon zu Beginn, sie vibriert förmlich, bald verstärkt durch elektronische Sphärenklänge. Wie auf einer Probe sitzen fünf Schauspielerinnen in grauen Trainingsoutfits (Veronika Glatzner, Anne Grabowski, Jenny-Ellen Riemann, Eva Maria Sommersberg, Elisa Ueberschär) auf der Bühne. Ihre Nerven scheinen wie Saiten gespannt. Nicht die sprichwörtliche Stecknadel hört man fallen, sondern das Öffnen einer Wasserflasche. Im Schweigen zerbersten ihre Körper. Hastig scheuern sie sich, springen auf und ab, ihre Arme und Beine verrenkend. Das fahrige Blättern in Papierstapeln prophezeit die Wortkaskaden, die bald schon den Raum fluten werden. Eine szenische Unruhe vor dem Sturm, bis Wojo van Brouwer, von kräftiger Statur und ebenfalls im grauen Sportlerdress, im Zentrum auftritt, mit Kreide Dionysos an die Wand schreibt und abgeht. Die Aufschrift wirkt, als wolle er sich in Behauptung der göttlichen Gestalt in den Raum erst einschreiben. Mehr noch ist es der Tragödientext selbst, der in seiner Lautwerdung durch den Chor erfahrbar wird und sich des Raumes bemächtigt, indem er ihn neu definiert: Raumvolumen < Sprach- und Ausdrucksvolumen

Die fünf jungen Frauen bilden den kraftvollen Chor, tragen anfangs weiße Masken, schieben sie auf ihre Hinterköpfe und sind zugleich Teiresias, Kadmos, Agaue und die Bakchen. Für die Rollen treten Solistinnen kurz aus der chorischen Einheit hervor, um sogleich wieder in ihr aufzugehen. Als skandierende Phalanx stehen sie an der Bühnenrampe. Zunächst stört dieses chorische Sprechen in der Zuordnung der Rollen, doch Kreidemarkierungen auf den Stufen weisen mit Namen wie Inschriften unter antiken Statuen den Weg. Standhaft bleibt dabei keine. Spricht eine Darstellerin als Kadmos, (der Großvater von Pentheus, dem König Thebens,) oder als der greise Seher Teiresias, kommt eine weitere dazu und bald reißt der Chor sie hinfort. Sie befreien sich durch die gemeinsame Bewegung im Raum wie in der Dynamik der Sprache, die über allem steht und alles ermöglicht. Sie errichtet das Theben, in das der Gott Dionysos in menschlicher Gestalt zurückkehrt, Rache nehmend an seiner Heimat, aus der er einst vertrieben. Die Schwestern seiner Mutter hatten damals behauptet, nicht Zeus wäre sein Vater, sondern ein Sterblicher hätte ihn gezeugt und seine Mutter Semele ihn dem Gott als Sohn zugeschoben, was jener sie ihr Leben kosten ließ. Als rasende Bakchen scheuchte Dionysos die Frauen in die Berge, ihn und seinen Orgien dienend. Doch einer ist in Theben, der ihn als Gott nicht anerkennt und mit Waffengewalt nun gegen die Bakchen und ihr wildes, staatszersetzendes Treiben vorgehen will: König Pentheus, gespielt von Daniel Frantisek Kamen. Die Drohung Dionyos’, sich besser nicht mit ihm und seinen kriegerischen Mänaden (= die Rasenden, Synonym für die Bakchen) anzulegen, missachtet er und sieht den Rachefeldzug gegen ihn nicht herannahen. Alles ist gesagt . Der Gott zieht sich zurück auf den Kithairon. Hierbei leistet der Schwarzlicht-Effekt wunderbare Dienste. Mit weißgeschminktem Gesicht bereitet Dionysos sich auf der höchsten Bühnenebene sein Lager. Man sieht sein göttliches Auge aus helleuchtenden Antlitz im Schwarz des Raumes über allem wie ein Spielleiter wachen.

Pentheus lässt einen Fremden, der an der Gottheit Dionysos festhält, mit einigen der Bakchen in Gewahrsam nehmen, nicht ahnend, dass es sich um jenen selbst handelt. Die Szene der Gefangennahme wird in einer Art Dolmetscherkabine auf den obersten Stufen der rechten Bühnenseite gezeigt. Selbst hier noch steht Dionysos, zwar gefangen, doch erhöht über allem und ist allem erhaben. Als Fremder bietet er dem König an, den Bakchen bei ihren Orgien aufzulauern. Er wolle ihn, unerkannt in Frauenkleidern, zu ihnen in die Berge führen. Pentheus willigt ein. Steffen Jäger weiß hierzu, mit einem raffinierten Regieeinfall den Raum einzubinden. Eben noch hat im rechten Eingang eine Darstellerin meisterlich den Botenbericht deklamiert und so gesprochen von der Aggression der Bakchen, ihrem Furor gegenüber voyeuristischen Hirten, der sich im Zerreißen ganzer Kuhleiber durch ihre bloßen Hände entladen habe. Nun kommen die Bakchen gezogen durch diesen Eingang. Ihr chorischer Rhythmus treibt sie an. Mit kraftvollen Schritten durchqueren sie den Raum, verlassen ihn durch den linken Eingang, um sogleich wieder im rechten zu erscheinen. So geht es hinfort, immer schneller jagen sie voran, von rechts nach links. Unter sie hat sich nun Pentheus gemischt und wird mitgetrieben. Er ist nicht in Frauenkleider gewandet, der Rhythmus ihrer Stimmen und Schritte uniformiert sie allesamt, bis sie ihn erspähen und die gewaltsame Sprache in sprachlose Gewalt umschlägt. Angeführt von Agaue, Pentheus’ Mutter, nimmt das Blutbad seinen Lauf, denn sie erkennt ihn nicht in ihrer Raserei.

Als Priesterin beginnt die Mutter mit dem Mord und stürzt sich

auf ihn; er reißt sich das Band vom Haar, damit erkenne und

nicht töte ihn Agaue, die Unselige, spricht, ihre Wange sanft

berührend: “Mutter, ich bin es, dein Kind, bin Pentheus […];

erbarm dich, Mutter, und ermorde nicht um seiner Frevel willen

deinen eignen Sohn!” Sie aber, Schaum vorm Mund, die Augen

rollend, empfand nicht, was es zu empfinden galt, mit den

Händen griff sie seinen linken Arm, stemmt’ ihren Fuß dem

Armen in die Rippen, riß aus die Schulter, nicht mit eigener

Kraft, sondern der Gott gab ihrer Hand die Fähigkeit.

Im Glauben, einen Löwen erlegt zu haben, kehrt Agaue, Pentheus geschultert, in Kadmos’, ihres Vaters Haus, zurück. Mit einem Granatapfel lässt Steffen Jäger die Blutrünstigkeit nachwirken. Die Darstellerin der Agaue beißt begierig in die harte Schale und reißt die roten Kerne heraus, dass das (Frucht)fleisch nur so durch das Schwarz-Weiß des Bühnenraumes spritzt. Kadmos öffnet Agaue die Augen und führt ihr die Reichweite ihrer Tat vor. Mit Pentheus hat sie das höchste Opfer einer Mutter gebracht. Beendet ist die Orgie. Ein klassisches Gesangsstück setzt ein. Der Chor formiert sich ein letztes Mal und hängt Agaue kopfüber in eine Schaukel. Als sie dem Wahn verfällt, wenden die Gefährtinnen ihre Gesichter von ihr ab. In der Höhe erscheint Dionysos nun in Gottgestalt. Rache an denen, die ihn nicht anerkannten, hat er geübt, doch sein Schlussmonolog ist nicht der eines Siegers. Er zeigt Züge eines Gewissens. Euripides, der jüngste neben Aischylos und Sophokles als Trias der großen Vertreter der attischen Tragödie, war es, der die Götter als Menschen zeigte, deren Gewissenlosigkeit und Grausamkeit. In Die Bakchen beweist er, welchen Gewaltakt ein Gott in seinem Ringen um Berechtigung unter den Menschen zu entfesseln vermag.

“Wer sich als Regisseur mit der chorischen Masse einlässt, sie formt und damit stärkt, spekuliert und rechnet, wie Reinhardt es formuliert hat, mit “ungeahnte(n) anonyme(n) Wirkungen”. Er betreibt eine erregende, bedrohliche, kräftesteigernde und kräfteverschwendende performative Praxis.”  (Hajo Kurzenberger: Die Kraft der Gruppe. In: Theater heute 07/2009, S. 17.)

Steffen Jäger braucht nicht Max Reinhardts “Theater der Fünftausend” zu Beginn des zwanzigsten Jahrhunderts zu reanimieren, um die chorische Kraft zu demonstrieren. Er reduziert in seiner Inszenierung den Chor auf eine fünfköpfige Größe, entlässt ihn in ein Arena-Modell und führt das antike Theater mit konsequenten Bildern seinem Ursprung zu. Am Anfang war der Chor. Ihm entwuchsen die Protagonisten. Alles ist hier Chor, Zorn heißt der Chor! Die DarstellerInnen leisten Großartiges in der Bezwingung der Textmassen und deren rhythmischer Ausgestaltung. Die Sprache wie die Körper befinden sich in höchster Erregung. “Euoi!”, lautet der Bakchen Ruf. “Euoi!” steht in dieser Inszenierung für den einzigartigen, den Raum sprengenden Sprechakt. Entstaubt wird das antike Theater, dessen Sprache wirbelt auf und wird als Performance im Hier und Jetzt erfahrbar. “Euoi!”

Degna Martens